MIRANDO A LA NATURALEZA Y VISUALIZANDO EL COSMOS

Vassil Ivanov fue uno de los artistas búlgaros más idiosincráticos e inimitables. Gran parte de su arte no tiene análogo en su país natal. Un talento versátil, además de dibujar y pintar, tocaba el violín, y también incursionaba en filosofía, cosmología, astrología, lectura de manos y yoga. Ivanov se sintió atraído por las enseñanzas de Petar Deunov, y a su manera siguió algunos de los principios fundamentales de Deunov, tanto en su visión del arte como en su filosofía de vida.

La creación de sí mismo como artista por parte de Ivanov fue todo menos trivial. Entre 1971 y 1974 vivió en París y, de manera aperiódica, en Suiza. En esa época su obra se dio a conocer a Picasso y Chagall, y es probable que se haya encontrado con Giacometti. Realizó exposiciones en varios lugares, desde Europa hasta Australia.

La colección de arte de Vassil Ivanov de Boyan Atanassov ha sido meticulosamente seleccionada y equilibrada, abarcando períodos y tendencias para presentar al artista en su totalidad. Además de las pinturas al óleo, hay obras en tiza de colores y acuarelas, dibujos en tinta, carbón y pasteles negros, de paisajes, bodegones, motivos figurativos, desnudos y piezas abstractas. Además, cabe destacar el famoso Ciclo Cósmico: formas impactantes contra un fondo negro o blanco, los principales elementos que conforman la personalidad de Ivanov como artista.

De hecho, la primera exposición de Ivanov, que incluía obras de ese Ciclo, se inauguró en Sofía en 1964. Poco después, la Enciclopedia de Artes Visuales de Nueva York lo describió como el precursor de una nueva dirección en el arte, llamada «Gráfica Cósmica».

Este momento cósmico es la principal razón por la cual Ivanov permaneció separado de la corriente principal del arte búlgaro del siglo XX. Un artista de su clase y calibre demostró que el arte búlgaro en un pasado reciente podría tener dimensiones sorprendentes e insospechadas. Ya en 1962, Petar Uvaliev dijo en su sección de la BBC que Ivanov era prácticamente el único representante del arte búlgaro moderno en Occidente. Los impulsos creativos y realizaciones de Ivanov atrapan la forma visual y la arrancan del Lebenswelt con su ardua rutina diaria, pequeños problemas personales y artimañas sociales. Su imaginación se eleva, buscando la sustancia espiritual; cambia radicalmente la escala, el punto de vista y la perspectiva, como si superara la gravedad y los límites de los sentidos.

Antes de llegar a su cosmismo y su visualidad, a principios de la década de 1940 Vassil Ivanov se había establecido en la tradición del arte cameral. Sus primeras obras revelan la mirada de un artista contemplando la naturaleza de forma poética e inmersa en la tranquilidad. Sus paisajes y bodegones no estaban marcados por la inmediatez del impresionismo o la monovisión de la curiosidad. Sus motivos eran habituales, por no decir banals: Sofía y sus alrededores, prados, caminos de tierra, terrenos animados por una casa destartalada, una mirada desde la tierra hacia el mar… Sin embargo, tenían rasgos significativos que los distinguían de la fotografía pintada. Se puede discernir en la visión que los creó el estribillo panteístico de una espiritualidad omnipresente y una contemplación ilustrada, equidistante tanto de la expresión forzada como del alto romanticismo. La línea del horizonte divide el lienzo o la hoja en partes casi iguales, separando la tierra y el cielo, de manera que el paisaje engendra una apariencia panorámica. La composición frontal produce una impresión de quietud externa; sin embargo, a través del uso de pinceladas especiales o líneas de crayón, o de textura, o acentos visuales, el artista da vida y dinamismo al motivo, estableciendo su unidad en la diversidad.

Ivánov no está encadenado por fórmulas cliché: en su pensamiento y hacer, siempre está luchando por lograr y mantener el sentimiento de naturalidad y desinhibición que cree que debería ser comunicado por ese tipo de obra.

La atmósfera especial resulta de una estructuración complicada de masas de color y zonas de atracción y repulsión de tonos cálidos, fríos e intermedios derivados, matices y sombras. En la mayoría de los casos, las figuras humanas juegan el papel de staffage; sin embargo, incluso cuando la composición les otorga una presencia más significativa, su función principal es resaltar la unidad del hombre y la naturaleza. En muchas ocasiones, el pintor prefiere insinuar y sugerir en lugar de representar detalles, brindando al espectador una considerable libertad asociativa.

Estas características, que caracterizan la pintura de Ivanov, se pueden ver en gran medida también en sus dibujos, principalmente de la década de 1950. Un motivo paisajístico, por ejemplo, se desarrolla a través de una serie de bocetos y estudios, algunos de ellos rozando un acabado formal. En las obras más acabadas, se observa la suavidad de la gradación, la fina y variada pincelada, el sfumato de los puntos y la flexibilidad de las líneas que van de la mano con la simplicidad externa del tema.

El segundo periodo de Vassil Ivanov se produjo en la década de 1960-1970. Estuvo marcado por búsquedas y logros, impulsados por cambios evolutivos serios en su Weltanschauung y Kunstanschauung. Estas innovaciones se centraron en su Ciclo Cósmico.

Se podría señalar entre paréntesis que el cosmismo, como tema y complejo mundo visual, estuvo vinculado a las artes visuales en el siglo XX. Podríamos comenzar con el pintor y músico lituano Mikalojus Čiurlionis, seguir con Nikolay Roerich y el cosmismo ruso (en particular el grupo Amaravela en 1920-1930) y llegar a Kazimir Malevich y el constructivismo. Tales tendencias temáticas revelan cambios dentro de algunas capas de la cultura artística, desencadenados por los enormes procesos sociales contemporáneos, «tectónicos». Entonces, ¿qué es específico del cosmismo de Vassil Ivanov en ese contexto?

El Ciclo Cósmico es una serie de dibujos, en su mayoría realizados en tiza blanca sobre un fondo oscuro, casi negro, que se han vuelto emblemáticos. Sugieren improvisación, pero debido a la seriedad de la problemática artística, impactan como obras seriamente pensadas y acabadas. El artista utiliza no solo el punto, sino todo el cuerpo del trozo de tiza. Hay cierto simbolismo en la elección misma de la técnica y los materiales utilizados. Ivanov identifica la aún intocada superficie negra de la hoja como el abismo sin fondo y estéril del espacio, del cual debe nacer la imagen. El acto del artista de tocar esa materia cósmica y moldear los elementos de la imagen a partir de ella se percibe como análogo a una creación por un demiurgo.

La estructura de la imagen recuerda a una red intrincada que abarca todo, similar a una telaraña -o a un laberinto-, por el cual el hilo principal de la composición navega para producir la impresión de un todo. La materia y el espacio interactúan de manera milagrosa, la materia se desmaterializa mientras observamos, y el espacio adquiere la inmensidad del Universo, inconmensurable con la capacidad de los sentidos y la comprensión humanos.

Sin embargo, debemos señalar que el enfoque de Ivanov no tiene nada que ver con la hibris, la hipertrofia del ego y el drama interno del artista moderno. Para Ivanov, la inspiración es más bien una manifestación de humildad y asombro ante el momento de contemplar los ritmos y leyes crípticas del mundo creado. Su «visionismo» no es arbitrario ni subjetivo. Fluye de una comprensión más profunda de la unidad cósmica y de la inspiración de la materia, que es el fundamento del universo. De ahí estas extrañas formas imaginarias, estas figuras terrenales alargadas, complicadas interrelaciones rítmicas y espaciales, objetos y sustancias desafiando la gravedad, todos ellos realizados a través de medios de expresión maravillosamente simples. Y eso es solo una pequeña parte del mundo de Vassil Ivanov.

Su arte hoy en día sigue siendo tan impactante como siempre, enigmático en su poesía maravillosamente idiosincrática y única.